10月25日，享有国际盛誉的英国艺术家安尼施·卡普尔 (Anish Kapoor) 个展正式亮相中央美术学院美术馆。作为安尼施·卡普尔在中国的首次美术馆级个展，此次展览呈现了艺术家横跨35年的重要艺术创作。
现今艺术家们在创作上各自奔向不同的方向，但如何坚持并不断实践强有力的创作？
卡普尔似乎一直坚持着这样的原则来创作，他是真正在实践中的艺术家。
▲ 开幕现场嘉宾合影
享有国际盛誉的英国艺术家安尼施·卡普尔 (Anish Kapoor) 的首次中国个展于今日下午在中央美术学院美术馆正式开幕，作为安尼施·卡普尔在中国的首次美术馆个展（艺术家曾于2007年在北京常青画廊举办首次个展），此次展览呈现了艺术家横跨35年的重要艺术创作，展览展出了一系列气势恢宏、自成一体的装置作品。
▲ 开幕现场
展览由中国美术家协会主席、中央美术学院院长范迪安担任学术顾问，中央美术学院副院长苏新平担任艺术总监，由中央美术学院美术馆馆长张子康担任总策展人、中央美术学院美术馆副馆长王春辰和北京太庙艺术馆执行馆长岳洁琼担任策展人，并邀请伦敦蛇形画廊总监汉斯·乌尔里希·奥布里斯特 (Hans Ulrich-Obrist) 担任策展顾问。本次展览是对卡普尔视觉艺术语言的深入探索，更是中英文化交流的重要见证。
▲ 开幕式现场，中央美术学院副院长苏新平致辞
中央美术学院副院长苏新平在开幕致辞上表示，“其实我多年前在纽约曾经看过卡普尔的作品，其规模和体量或者是背后所折射出他的思想和观念给我留下了非常深刻的印象。确实在视觉冲击力、心理感染力方面让我至今记忆犹新！时值2019年秋天，安尼施·卡普尔在中国首次个展以盛大的规模在中央美术学院美术馆和太庙美术馆同期展出，使中国观众能够全面了。“
▲ 开幕式现场，本次展览的总策展人、中央美术学院美术馆馆长张子康致辞
作为本次展览的总策展人、中央美术学院美术馆馆长张子康认为，“在卡普尔的作品中古希腊的神话、基督教、犹太教和佛教、印度教的典故都有其阐释。他的父亲是印度人、母亲是犹太人，从小在印度的基督教家庭长大。在青春期去以色列学习工程，后来前往英国学习生活，并成为一名佛教徒。卡普尔并没有给自己设定文化坐标，他经常强调：我只是在英国工作的艺术家！在他看来无数的不同文化形式都表达着同样的真理，敏锐的感悟力和丰富的生活经历成为卡普尔创作的基础。多元文化自然而然生成独特的艺术表达，作品融合西方文化和东方宇宙观，显露出不同文化的融合。”
▲ 开幕式现场，里森画廊亚洲总监董道兹致辞
艺术家本人指定发言代表里森画廊亚洲总监董道兹则认为卡普尔的作品似是上帝之手创造出来的，“卡普尔的作品忽然是出现在你的面前，似乎是上帝之手做出来的，在作品面前不需要多考虑制作的过程，观众只需要面对完美的作品，还要材料本身。其实艺术展览也一样，展览开幕大家过来现场观看，在展览背后蕴含着各种复杂的工作、协调、争吵和情感的投入，这也是这个展览的魅力，还有他的活力。”
▲ 开幕式现场，中央美术学院美术馆副馆长王春辰主持开幕
▲ 开幕式现场，英国大使馆文化教育处 文化及艺术参赞莫睿致辞
▲ 开幕式现场，太庙艺术馆执行馆长、中央美术学院协同创新办公室主任岳洁琼致辞
“我一直在做的是表现这个世界里并不在场的一面，是一个幻想的空间，它来自于心智和灵魂的一面。用雕塑把感知到的这一面表达出来，这就是我一直试图在做的。”
——安尼施·卡普尔
安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）是当代雕塑装置范畴里非常重要的艺术家，也是一位获得极大国际声誉的艺术家。他出生在印度孟买，父亲是印度教徒，母亲是犹太人。他青年时曾去以色列的一个集体农场中学习电气工程，但因为数学跟不上而失败，从那以后他决心成为一个艺术家，并且很快取得成功。
20世纪70年代初他来到伦敦，进入霍恩西艺术学院和切尔西艺术与设计学院学习艺术，大约在10年后即以简单材料（花岗岩、石灰石、大理石、石膏等）的几何形和生物形雕塑而成名。
▲ 《利维坦》，2011，P.V.C，33.6 x 99.89 x 72.23 米，2011 年“纪念碑”艺术项目展出现场（大皇宫，巴黎），图片拍摄：戴夫·摩根，©安尼施·卡普尔，图片版权所有，2019
20世纪80年代末到90年代，他因为执着于表现物质和非物质的关系而广受好评，他使用开采出来的原始石块创作巨型作品，通过制造出空洞和瘢痕暗喻二元性（地面-天空、物质-精神、明亮-黑暗、有形-无形、意识-无意识、男人-女人、肉体-心灵）。
也许正因为这样的经历让安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）对材料的运用十分得心应手。他的创作是形而上学的，是一种超自然层面的探讨，涉及物质和非物质，存在和消逝，空间和非空间等玄学问题。印度的哲学和宗教思考，结合西方艺术的形式和观念的表达，这两方面的合一造就了这位备受瞩目的艺术家。
▲ 位于世界各地的作品《下沉 （Descension）》
不论是他用不锈钢材质做成的作品《云门》、《天空之镜》等还是创作于2014年的作品《下沉》又或是此次展览展出的以红色为主要颜色表现出的一系列作品都着实令人着迷。他的代表作《下沉》在观众们观看时总会想到尼采的一句名言“当你望向深渊时，深渊也望向你。”圆形水池里的黑水在池中连续旋转运动后聚在一个中心涡流中，似乎要被吸入地球的深处。但是这个“黑洞”到底将人们引向哪里？每个观看的人又为何会沉溺其中？
▲ 展览现场
“我一直在做的是表现这个世界里并不在场的一面，是一个幻想的空间，它来自于心智和灵魂的一面。用雕塑把感知到的这一面表达出来，这就是我一直试图在做的。”
——安尼施·卡普尔
艺术家通过对材料和物体固有属性的转换来模糊了自然、景观与艺术之间的界限，引导观众们可以用不同的方式来感知空间。观众们真正参与到作品里来感受，让观众与作品与艺术家都能进行超越“物质体”的对话，也许正是艺术家想要的一种效果。
▲ 《天空之镜》，2006，不锈钢，直径10米，图片拍摄：提姆·米切尔，©安尼施·卡普尔，图片版权所有，2019
▲ 《海啸》，2018，不锈钢，图片拍摄：戴夫·摩根，©安尼施·卡普尔，图片版权所有，2019
同道理而言，在艺术家的作品《云门》、《天空之镜》中也是如此，通过利用不锈钢抛光面的反照功能，整个系列的作品都让观众产生一种在虚幻之境中生活的错觉，驻足在这系列的作品面前抛光面反射出来的世界仿佛是每个人心中都存在的幻想空间，你可以在这里尽情幻想打造，当你不再需要这个幻想空间，那它便只是一个普通的反射景象，也不免让我们进一步反思景观社会下所带来的真实性到底是怎样？
▲ 《云门》安尼施·卡普尔
“红色具有某种含蓄和主动的性征，这让我着迷，我总是想用红色创作作品”。
——安尼施·卡普尔
此次在中央美术学院美术馆展示的四件最具有卡普尔代表性的作品均以红色为主要色调，他擅长将理性与感性结合，相比较极简主义构成上常使用的直线、长方体或三角形等稳定元素，他更愿意加入一些感性元素，比如不规则的线和细节，借以丰富作品构成，带来更多变化与感性元素，同时使用纯度高的色彩，赋予作品极强的视觉效果。
▲ 《致心爱太阳的交响乐》，2013，不锈钢、蜡、传送带，©安尼施·卡普尔，图片版权所有，2019
曾在2013年于柏林的马丁-格罗皮乌斯博物馆展出《致心爱太阳的交响乐》(2013)此次在美术馆大厅以崭新的面貌迎接观众。血红色的蜡质砖块从几个上升的传送带的末端戏剧化地坠落至一片同样材质的聚合物中，一个悬浮着的巨大红色太阳注视着这个机械化的、毫无人为因素的场景。艺术家的手被一个看似自动的机器替代了，因而观看者可以更为直接地感受这件作品并获得一个主观且深刻的体验。
▲ 展览现场，《致心爱太阳的交响乐》
而在美术馆三层展出的卡普尔在2015年法国凡尔赛宫个人展览首秀的创作《将成为奇特单细胞的截面体》(2015)外表看来是规则的长方体，表面上有着不同形状的曲线面，但当观众们走进作品内部时似来到了外星“虫卵”或可看作是人体细胞内，鲜红的洞被神秘地连接在了一起，形成了一张关于躯体、存在与信仰的网，在其中既压迫但又有种想释放的反差感受。
▲ 《将成为奇特单细胞个体的截面体》，2015，P.V.C、铁，730 x 730 x 730cm，图片拍摄：Tadzio，©安尼施·卡普尔，图片版权所有，2019
▲ 展览现场，《将成为奇特单细胞个体的截面体》
对此，中央美术学院美术馆副馆长王春辰在接受“凤凰艺术”采访时认为卡普尔的作品中也许是消除了所有固有概念，“艺术家他创造了一种普遍性的东西，但与他是否是印度人无关，只不过碰巧他是印度人。印度人还是天然有一些文化的影响，我们有一点可以体会，那就是他把很多关于佛的至高理念都融在了作品里。同时因为符号是最具体的，而在这个最高的事物里，没有所谓的具体。他的一些作品中可以说是象征着人的细胞，但也可以说不是；也可以是一个隧道，不断缠绕，不断互相互动的。作品不是一种动态的，是需要走进去体验才行，随着观众不同的情绪会有更多不同的感受。“
▲ 展览现场，《将成为奇特单细胞个体的截面体》
除此之外，卡普尔曾于2017年在阿根廷纪念公园展出的工业景观作品《远行》(2017)也在这次展览中展出，一辆涂满湛蓝颜色的挖掘机爬伏在几百吨红色泥土上，形成鲜明的对比。漫山遍野的红色色粉如浪涌一般，层层叠障，形成热烈的景观，让观众有着强烈的对比感，仿佛也要被这些泥土所掩盖。
▲ 《远行》，土、色粉、挖掘机，尺寸可变，©安尼施·卡普尔，图片版权所有，2019
▲ 展览现场，《远行》
在美术馆四层的作品是艺术家另一件巨型自动装置作品《我的红色家乡》(2003)，机器带动一条金属臂沿着装有25吨红色软质蜡的开口容器的表面转动。金属臂在一个小时的转动中，环绕着蜡质表面缓慢运动，好像在搅拌材料，不断塑造蜡的形状。在笔者与朋友一进展厅的瞬间便觉得压迫感扑面而来，这件作品的体量相比其他三件作品虽然稍微精小一些，但是带来的冲击感却是毫不逊色的，你甚至觉得来到了一个炼狱，这种至高纯色的蜡仿佛就像凝固住的鲜血一样定格在这里。让每一个来展厅的观众都忍不住凝视、冥想，时间也似乎随着看起来毫不移动的金属臂停止了。也许每个人都已变成了微观世界中的一个小分子，此时，材料反而显得不再那么重要。
▲ 《我的红色家乡》，2003，蜡、油基漆、铁制臂、发动机，直径12米，©安尼施·卡普尔，图片版权所有，2019
除了这些大型装置作品外此次展览中还展出了过去几十年的艺术实践中重要公共项目作品的模型，包括《云门》(2004)、《轨道》(2010)、《南岸中心》(2001)、《地铁站，蒙特圣安杰洛，那不勒斯》(1999-2002) 以及今年十月将会在纽约展出的《伦纳德街模型》。
▲ 展览现场
值得一提的是，此次个展的另一部分还将于11月11日在位于故宫紫禁城建筑群的太庙艺术馆展出，拥有600年历史的太庙，由体量巨大的建筑与庭院构成，卡普尔通过一系列不锈钢与颜料雕塑对空间的反射和折射，与宏伟的建筑与历史进行前所未有的对话。
▲ 展览现场
有趣又浪漫的安尼施·卡普尔曾说过，“(作品的)意义不应该成为艺术家的困扰。我时常会说‘我没有任何想说的’，作品的意义早已在观者和物体之间显现，观者将成为作品的一部分。”
他的红、他的黑、他的蓝都渗透着一种神谕似的指令，唤起了人们从乏味的现代生活中对生命、死亡及宇宙万物的敬畏之情。但又结合了现代的工程材料来大胆的模糊了艺术与万物之间的界限。从天空之镜到黑色漩涡再到“红蜡”，卡普尔就像当代艺术中的巫师，将自己的艺术世界虔诚又神圣的慢慢填满……
关于艺术家
▲ 安尼施·卡普尔 Anish Kapoor 摄影：Jillian Edelstein
安尼施·卡普尔1954年出生于印度孟买，现工作居住于伦敦。他先后在伦敦弘赛艺术学院(1973-77) 和切尔西艺术学院 (1977-78) 就读。他近期的个展包括：塞拉维斯博物馆，葡萄牙波尔图 (2018)； “沉降”，公共艺术基金，布鲁克林大桥公园1号码头，美国纽约 (2017)；纪念公园，阿根廷布宜诺斯艾利斯 (2017)；MAST基金会，意大利博洛尼亚 (2017)；当代艺术大学博物馆，墨西哥墨西哥城 (2016)；拉土雷特修道院，法国里昂 (2015)；法国凡尔赛宫 (2015)；俄罗斯莫斯科犹太博物馆及文化中心 (2015) 等。他曾于1990年代表英国参加第44届威尼斯双年展，并荣膺“Premio Duemila新秀艺术家奖”，并于翌年成为“特纳奖” 得主。 其大型公共艺术项目包括：《马西亚斯》，伦敦泰特美术馆 (2001)、《云门》，芝加哥千禧公园 (2004)、《圣地》，英国米尔德斯堡 (2010)、《利维坦》，法国巴黎大皇宫 (2011)、《轨道》，伦敦奥林匹克公园 (2012)，以及在日本的世界首个充气音乐厅《新方舟》(2013) 等。
展览信息
安尼施·卡普尔
展览地点：中央美术学院美术馆
展览时间：2019年10月25日至2020年1月1日
展览地点：太庙艺术馆
展览时间：2019年11月11日至12月28日
部分图片来源于中央美术学院美术馆
（凤凰艺术 北京报道 采访/撰文/责编/姚钰琛）