文｜Dedee

昨天，小阿姨受雷克萨斯之邀，参观了一场极为特别的艺术展：

在这场展览中，你可以看到毕加索设计的滑雪衣，萨尔瓦多·达利设计的领带，安迪·沃霍尔设计的连衣裙，马蒂斯设计的丝巾，夏加尔设计的桌布……

甚至还有当年Queen乐队设计师，一代传奇时尚女王桑德拉·罗德斯的最经典作品。

“Artists Textiles：Picasso to Warhol”在2014年首次举办，旨在为普罗大众呈现20世纪大家最熟悉的那些位艺术和时尚大师最不为人知的另一种作品——面料图案设计。

如此出人意表又极具生活化。

不出意外地，“Artists Textiles：Picasso to Warhol”成为了迄今为止伦敦时装和面料博物馆最受欢迎的一个国际巡展，之后分别在加拿大、美国、荷兰、英国苏格兰巡展，今年来到了中国上海。

场地不大，展品估计有个近百件，不算多但都是硬货。小阿姨居然兜兜转转地看了快2个小时，一边看一边疯狂拍照，根本就停不下来！

谁说面料布料这种玩意儿无聊了？有本事你不用呀！

所以，接下来咱们就来略微剧透一下此次展览中，个人觉得最有看头的十件展品。

一、桑德拉·罗德斯本尊

作为伦敦时装与面料博物馆的创始人，79岁的桑德拉·罗德斯本尊也来了——与西太后齐名，甚至比后者出名更早的时尚奶奶，罗德斯绝对堪称此次展览的“吉祥物”。

这个曾被待机女王授予巴思爵士和大英帝国指挥官等荣誉头衔的炒鸡女爵士，几十年如一日的依旧我行我素着。

还是那头芭比粉的短发，湖蓝色的眼影，正红色的唇膏，无比夸张的饰品和自己设计的斑斓服装。

作为此次展览最最重要的人物，罗女爵还接受了ACW的专访。

说到采访，小阿姨这次简直幸运透了（展览看完就开始疯狂水逆）！是唯一一位独家专访到罗德斯女爵的汽车媒体——其实也没有别的车媒和我抢。

个人对桑德拉·罗德斯最大的兴趣点，是她曾在上世纪70-80年代，给不少腐国的顶尖人物设计过服装，比如戴安娜王妃，安妮公主和玛嘉烈公主，当然还有我心爱的牙叔。

她也好开心地详细叙述了当年和Queen的接触细节。不过罗奶奶和牙叔相逢太早，交集颇浅：

那是1974年，Queen推出第一张同名专辑《Queen》满一年。时年34岁的罗奶奶在某个夜晚接到了牙叔和梅爵士的电话，说想到她工作室坐坐看看聊聊。

当时的罗奶奶早已是如日中天炙手可热的大设计师，Queen则是初出茅庐的新人。

两人来的那天，她正在工作室里疯忙，罗奶奶说自己根本无暇照顾这两个小伙子，就让他们自己随便看随便选。年轻的牙叔无比兴奋，在工作室里走来走去抚摸着每一件衣服，最后选中了这件：

话说，当罗奶奶举起这张照片让我随便拍时，小阿姨的泪腺真的彻底崩了。

个人觉得，她应该把我当成了一个冒充记者的脑残粉……

这件浪漫到极点的演出服也在电影《波西米亚狂想曲》里出现过，甚至还上了预告片。不过罗奶奶对此有点耿耿于怀，因为它出现的时间太短了！

罗奶奶其实不是第一次来中国。早在50年前，即1969年曾到访过一回，并给她留下了不可磨灭的记忆还有源源不绝的灵感。

比如红色、牡丹、流苏、祥云、石狮子、回字纹……这些统统被她记录下来并成为了当时新作品的一部分：

当然，此次展览，Queen的演出服和以上这件祥云裙并没有出现。罗奶奶带来的是1968年创作的口红丝网印花系列——这款印花图案，甚至可以称得上是她的代名词。

记得就在前年，Valentino还将她的口红印花再度拿出来热炒了一番，先是被高定采用，之后又被成衣拿去用了。

此次，艺仓二楼特地布置出了一整条长廊，都是她的相关设计作品。

二、艺仓美术馆本身

是的，第二件最有看头的“展品”，就是艺仓美术馆本身。

相比魔都其它沿江艺术馆博物馆，例如去年双年展的主战场上海当代艺术博物馆，刘益谦的龙美术馆，被隈研吾爆改的1862时尚艺术中心……艺仓算是非常非常低调的一家。

和龙美术馆的前身一样，艺仓过去是老白渡煤仓，差点被挫骨扬灰片甲不留。多亏了4年前的第一届上海城市空间艺术季，在此处搞了一个分展场——在一部分被拆除的废墟上，进行了一场有关“工业建筑的改造再利用”的主题展览。

居然拯救下这座当时看来一无是处的老仓库。

的确，相比1862时尚艺术中心或上海当代艺术博物馆，艺仓的前身历史乏善可陈。但内部与外部空间可谓是冷淡工业风的集大成之作——

欣赏展品时，一抬头就可见赤裸破败色彩斑驳的混凝土墙；一转身就是如迷宫般蜿蜒曲折的走廊；一不小心就有可能和存在了近百年的漏斗形煤仓来个贴面礼。

再加上美到能让你忍不住上上下下拍照片，累到炸肺都不愿意停住脚步的螺旋楼梯……只能说当年设计此处的建筑师，实在是太牛叉了。

也难怪这两年，一些对场地有特殊要求的展览会将此处作为主战场。比如前年的Paul Smith大展和去年年底罗素·杨的那场“Superstar”展等等。

对了，小阿姨这里要吐槽一百句，艺仓内的4G信号几乎为零。

小阿姨昨天就因为这个巨大的八阿哥（还没有带充电宝），造成无数微信讯息处长久发送状态，手机电池在短短3个小时内被耗得干干净净，黑屏成盒。

如果没有主办方雪中送炭般递来的充电宝，差点回不了家露宿街头。

三、萨尔瓦多·达利的领带

原谅我手机的渣像素，这条领带其实应该是橙色的。

说实话，如果不说它是达利亲自设计的面料作品，如果它没被摆在此间……打死我都不信，这块已经有些发暗发黑的普通领带，是出自20世纪最疯癫艺术家之手。

领带或许是达利在1950年代左右的作品，一看就知道源自经典雕塑作品《时间的轮廓》。个人觉着，他设计这款领带的初衷，应该是——Art for People嘛，大众买不起我的雕塑，买我设计的领带也不错。

除了这条领带，达利大魔王还设计了好几款布料图案和丝巾。

丝巾图案明显好看太多！

突然觉得……爱马仕丝巾的图案也就这样吧。后者虽然精致优雅无比，但怎么比得过大魔王那些天马行空的经典元素组合。

对了，这是所有展品中最迷你的一件，或许为了避免不明真相的吃瓜群众将它当餐巾擦了手，因此特地套了一个“水晶棺材”。

其实，达利就是一个时尚狂魔

1971年，腐国面料商SCABAL或许是吃了太空，曾委托大魔王想象一下，20世纪的男纸会穿什么衣服。后者就画了12幅脑洞都快穿透脚底板的大作：

据说几年前，SCABAL的人终于看懂了他想表达啥，推出了一组12款名为“想象”的羊毛羊绒面料。

反正，看着面料再看达利的脑洞画，突然觉着“想象”真是一个能解释一切的好词汇。

四、亨利·马蒂斯的披巾1号

一直以来，野兽派一号代表人物马蒂斯对时装布料有一种刻骨铭心的喜爱。

据说他作品里老是出现各种弹眼落睛的地毯窗帘桌布等等，就是源自某种母体依赖——老爹是律师，母亲家是当地首屈一指的面料商。

有句刚句，很多人怕是对老马有些误解，认为野兽派就是瞎画一气……才不是这样呢。

他之所以会获得这么一个头衔，完全是拜20世纪初著名的艺术评论家路易·沃克塞尔所赐。老沃有次这么评价马蒂斯：“你就是Donatello旁的野兽！”

Donatello是谁？就是文艺复兴时期塑造大卫的超级雕塑家，《忍者神龟》里绑紫色面罩的那位。

 而老沃之所以管老马叫“野兽”，主要是说他的用色太野了不按常理出牌，常常啥也不管地就往画布上招呼，看起来很不和谐，简直就是色盲本性。

对了，沃克塞尔除了发明出“野兽派”这个词汇，后来还创造了“立体派”这个词儿。

扯远了扯远了。

1940年，已经出名的马蒂斯去了高更定居的大溪地——玩儿。虽然他最爱的地方是摩洛哥，但对大溪地还是很有好感的。

此后，他长年累月地将大溪地的海鲜们当做素材，入画或是成为丝巾的一部分。

这次展出的披巾1号，就是大溪地系列之一，是其1947年时创作的。

对了，千万别小看这些艺术家设计的面料。大溪地系列中有一款丝巾曾在某次佳士得拍卖中，拍出了480万美元的高价。

不过，此次看到的这款披巾1号，由于材质是真丝的，不仅特别不耐操，也早已没有了当年的光泽和色彩。

五、菲利普·朱利安的连衣裙

应该说是这次展览上，颇为小众的一个法国艺术家——用插画师和小说家来形容他，似乎更为贴切。

尤其是他的插画作品，绝对可以用“诡谲”这个词来形容，反正小阿姨很喜欢这种说不清道不明的feel，时尚感十足。

难怪朱利安也被人称为美学大师。

之所以推荐朱大师在1948年设计的这款连衣裙……无他，裙子上的图案直接启发了Christian Dior在1950年设计的“Romantique”系列茶会裙。

六、安迪·沃霍尔的蜜瓜裙

你以为安迪·沃霍尔是哪一年开始的波普创作？

1961年？

你以为他的第一幅波普系列艺术作品是什么？

金宝汤罐头？

统统错了！早在1950年代，二十来岁的他还在努力画插画赚钱时，脑子里就有了波普这一概念。

当时，他还仅仅是一个初出茅庐的插画新人，一个和妈妈住一起的妈宝男——后者还会用自己特别的手写字为儿子的作品锦上添花。

不过，这丝毫不影响沃霍尔的异想天开。为了不限制自己的波普萌芽，他彻底拥抱了商业化，直接把自己的奇怪想法当做时装面料记录下来。

于是就有了这条蜜瓜裙——诞生于1950年中期，由德克萨斯一家服装厂出品的。

除了蜜瓜图案之外，展览里还有昆虫、扣子等好几副他真·最早期的波普艺术作品，当然统统是以丝网印花的方式，被记录在纯棉面料上。

七、马克·夏加尔的花花桌布

没想到展览上还能看到小阿姨敲喜欢的“宠妻狂魔”夏加尔……的面料图案设计。

一想到这对夫妻的爱情故事，小心脏真是会不受控制的一会儿乱蹦跶又一会儿粉粉碎。

这款名为“娇花”的桌布……当然也和他的贵族老婆贝拉密不可分！因为他人生中收到的第一束花，正是来自小仙女贝拉的。因此鲜花之于夏卡尔，就等同于贝拉。

尤其是这款被淡紫色铺满的棉质家具布料，我满眼都是爱情的样子哦！他俩的狗粮真是走哪儿撒哪儿，怎么吃怎么香。

有句刚句，这位爱意满满的艺术家画出的家具布就是不一样——想想某宝上那些土味十足的桌布空调布电视机布……

不过，恰恰因为这款布料实在太美，所以1956年诞生伊始，就被视作夏加尔的重要艺术作品，以展品的身份送入了纽约现代艺术博物馆。

有时候，“Art for people”的确是说起来容易实施起来挺难的一件事儿。

八、巴勃罗·毕加索的滑雪衣

此次展览，毕加索的设计占比重非常大。而且许多都是之前从未公开的“处女座”——1960年代首次和商业面料公司合作的十多件创作，从裙子到斗篷再到上衣，春夏秋冬全齐了。

而且面料印花都极有老毕的风范。

好看的，有脱胎于他第二任妻子杰奎琳·罗克一系列油画和素描作品的卡内特二世系列。

出名的，当然是斗牛士和雄鸡系列。

最好玩的，莫过于以斗牛士系列为蓝本制成的防风防雨滑雪衣，红黄撞色又充满童趣——在白茫茫一片中，绝对无比醒目。

个人感觉，这件滑雪衣可能是老毕专门为小女儿帕洛玛·毕加索设计的。

而帕洛玛·毕加索也的确直接拥抱了生活与时尚，在1968年成为了一名光荣的珠宝设计师，先是被YSL相中，为其品牌高定珠宝设计了一系列珠宝。

1978年，更是被人见人爱花见花开赫本见了挪不开步的Tiffany & Co.设计了一组独家高级珠宝……展台，从此就成为了该品牌最受欢迎的御用珠宝设计师，至今。

她最知名的珠宝作品系列，就是以她爹的和平鸽为灵感创作的。

当然，在许多中古店还能见到老毕女儿设计的同名包袋，也是童趣十足——这点上颇得老毕的真传。

老毕真是一个取之不尽用之不竭的大宝藏。

九、马塞尔·威赫斯的头巾

这应该是全场最美的一方丝巾，设计师是布达佩斯的马塞尔·威赫斯。在这次的艺术展中，他属于知名度最低的艺术家之一。

又或者，用设计师来形容他更为贴切。

关于他，我们只需要知道两件事。

第一、他是Coco Chanel的死对头——1920-1930年代，意大利女设计师Elsa Schiaparelli的御用平面设计。

相比保罗波烈，Chanel对Schiaparelli的才华是极为认可的，甚至曾公开称她为“那个做衣服的意大利艺术家”。当然Chanel痛恨她的一个重要原因，就是Schiaparelli有着极好的家室，根本就不需要靠男人来上位，就能轻松获得自己想要的东西。

扯远啦！

当年威赫斯为Schiaparelli贵女设计的香水系列作品，真的吼吼看啊！

第二、威赫斯先生曾拿到过两座奥斯卡小金人。

那是1952年，他为电影《红磨坊》设计了服装和布景，拿到了次年第25届奥斯卡最佳艺术指导和布景，最佳服装设计两座大奖。

贵女那儿可不是白呆的。

十、口红印花的雷克萨斯UX

最后一件展品，即上个月刚上市的雷克萨斯UX，就在艺仓一楼最显眼位置。

据说伦敦时装与面料博物馆与雷克萨斯之所以能一拍即合，恰因为腐国工艺艺术的奠基人威廉·莫里斯，在1919年时提出的“Art for People”这一理念，打动了后者——将艺术的表达融于对生活的创造，带来更多的美好和暖意，也是这一日系豪华品牌始终如一的追求。

虽然这一理念，直到1930年代以后才慢慢被人重视并真正实践。

此次，代表雷克萨斯“参展”的作品，是品牌诞生以来最年轻的SUV车型UX。不仅有缘侧（Engawa）理念、刺子绣工艺、和纸纹理等极具传统东方美学的全新设计，更重要的一点是——这辆雷克萨斯UX上，有罗德斯女爵在1968年创作的口红图案。

而罗奶奶可是如今时尚圈，最爱惜羽毛，极少玩跨界的一尊女菩萨。

最后，再贴一下此次展览的相关讯息：

相比这两年各种艺术大师“恍若亲临”的多媒体展览，这次艺术面料展带来的不少展品，不仅仅是首次露脸，更是难得一见艺术家的真品。

还能零距离细细观摩（很多已经价值千金，所以千万别手贱去摸）这些年纪比你父母甚至爷爷奶奶年岁都要大的中古时装和面料，真的值大发了！