2006年，Pompeya在莫斯科成立，并很快在俄罗斯的音乐场景中崭露头角。

到2009年，他们逐渐形成了现有的音乐风格：80年代的流行乐和新浪潮音乐中带有一丝迪斯科和Funk音乐的元素。他们的音乐被形容为“炎热的夏天，丝丝清风吹过，驾驶着敞篷车时候听的阳光曲调”。

首张EP《Cheenese》为他们赢得了众多俄罗斯乐迷，并获得了一些国际音乐媒体的赞誉。

2011年，Pompeya发行第一张全长专辑《Tropical》，著名音乐电台KCRW评论说：“他们让莫斯科的年轻人领略到了不一样的独立音乐文化”。

刚刚介绍的《90》和《Power》都来自《Tropical》专辑，而随后一年发行的《Foursome》，让他们在俄罗斯的影响力更进一步。

△ 《Tropical》封面

2015年，乐队的第三张全长专辑《Real》由The War on Drugs的制作人和混音师操刀，国际媒体如Stereogum，Noisy等等纷纷关注着他们专辑的发行。

随后，乐队耗时两年进行创作，在2018年独立发行了第四张专辑《Dreamers》，在作品中反映出这些年来乐队经历的种种跌宕起伏。

2019年，Pompeya开启了中国巡演，以“Dreamers”为主题，带来他们闻名遐迩的作品。5月18日开始，上海、杭州、武汉、深圳、广州五座城市，将刮过这阵来自俄罗斯的夏夜晚风。

阳光灿烂的初夏，和他们的音乐不能更相称了。

爱尔兰，诞生过U2, Enya, Sinead O'Connor, The Cranberries, The Corrs等传奇音乐人和乐队的神奇国度，一直是音乐世界版图重要的组成。近十年来以Lisa Hannigan, Hozier, Kodaline为领军人物的新一代则继续着爱尔兰的音乐神话，而今天，我们要带来的是爱尔兰最新一代音乐才子中的佼佼者 - Talos。

Talos是来自爱尔兰Cork的独立歌手Eoin French的艺名，这个名字来源于他祖父所喜爱的希腊神话。而后来，他真的以一个希腊神话故事创作了单曲Odyssey(奥德赛)。Talos的音乐作品很难归入一个特定的流派，但无数的乐评家把他的音乐与James Blake（电子+R&B）, Bon Iver（民谣）还有同样来自爱尔兰的James VincentMcMorrow（民谣+另类摇滚）相比较。

Eoin在大学时代就展露出音乐方面的天份，他和几位朋友组成的乐队Hush War Cry一度在科克当地小有名气，但却因为成员间的种种原因以解散告终。

Eoin也曾收到一家厂牌的青睐，但就在他准备前往美国录制音乐的前几天，他的女朋友不幸患上了肺结核。在患病的女友和唱片合约之间，他选择了前者。而正是在这个时间点，在科克无所事事的他写下了《Tethered Bones》，并以Talos的名字上传到SoundCloud。他没有想到的是，这只单曲在短时间内被播放上万次，获得了上千次的红心。

随后Talos呈现出一发不可收拾的转台，先是在发行《Bloom》后被邀请为Ben Howard担任暖场嘉宾，继而又陆续发型了热门金曲《In Time》和《Your Love Is An Island》，把他推向更主流的听众群体。

现在Talos已经有着来自全世界各地的听众和乐迷。

单曲《Odyssey》在Spotify上已经有超过七百万次播放；首张专辑《Wild Alee》被爱尔兰The Choice Music Prize提名年度最佳专辑；英国著名乐队Editors和超级人气的挪威女歌手Aurora邀请他作为巡演嘉宾；作品被《逍遥法外》《镜花水月》《暗影猎人》等大热的电视剧选用等这一系列成就都是Talos在仅仅两年当中取得的，他巡演的版图也逐渐从爱尔兰扩大到整个欧洲，继而北美，而在接下来的4月，Talos也将携乐队开启第一次中国巡演，一同来现场见证这位前途无量的唱作人吧。

纳西瑟斯，古希腊神话中一位俊美的少年神衹。

陶醉，代表一种浑然天成的思想状态；彷若入无人之境，是希腊少年纳西瑟斯永恆不变的美丽与哀愁。这样矛盾的存在，则是经典之所以高贵与不朽的原因。

不知自己美貌的他，因在池塘边惊鸿一瞥，从此醉心倒影，爱至郁郁寡欢，死后化为一株临岸水仙。

當忧愁如雾般散布开去，氤氲成恍惚的光影浓缩进高低起伏的音符之中，是他寻声而来卻未曾有陶醉其中，化为部分，用無心之過叩击着寻踪人们的鼓膜。

他是駐留在鏡中境的纳西瑟斯，他是音乐美学建筑家——邱比。

世上现存的曲目约有三千五百万首，但人一辈子能听多少美乐，又能有勇气做出多少不同的尝试？

美乐对于邱比来说，已融入了时钟流逝的分秒中，震撼的是每每翻起App，你总是能够在风格不同、跨界之大的艺术家的作品中觅到他掠过的痕迹，轻轻一个「Get」，似无声的证明着他不仅是音乐美学建筑家，还是一位「美乐鉴赏者」。对乐音的深度理解，以及对音符的从容把控，造就了邱比独一无二的「声音美学」。

音乐使人自由的不只是灵魂，还有想象。

2019邱比陶醉。纳西瑟斯巡回演唱会，他将全程参与声音、舞台、灯光的设计，并准备曲目《中离》加以全新编排，只为这一场，声音革命。

孔雀眼 JADE EYES 于 2014 年成立于台北，俐落的三人配置，却同时揉合女声主唱、合成器、贝斯、吉他和鼓机，前期的孔雀眼承袭了新浪潮不同于后庞克且更为琅琅上口的编曲风格和迷幻浩室的精神；经过两年创作磨合，孔雀眼甩掉一袭复古音色，配合空灵的女声，给人一种迷离、迷幻的体验，但却仍保有鲜明的鼓点和电子音乐编曲，而两者最终都消融其中。

孔雀眼以贝斯声线为主轴，吉他如偶然般坠落，配上简单且重复性高的主唱旋律，试图以自己的方式勾勒出不同于以往的音乐性。

有着软弱的表现和放荡不羁的体现，正如孔雀的双眼总若有似无的看着世界的变化映在眼中，却必须以灿烂的方式再次诉说。

孔雀眼于 2015 年发表首张同名迷你专辑，同年入选台湾指标性活动“大团诞生”，2016 年获选“年度十大新星”，同年于第七届金音创作奖入围【最佳电音专辑】一奖；2017 年 3 月 孔雀眼获邀代表台湾参演国际知名音乐节“SXSW 美国德州西南偏南音乐节”、5 月获邀参演中国知名电子音乐节“MTA 天漠音乐节”，8 月发行首张全长专辑《迷恋 ADDICT》并举行全国巡演。

2019年相继参加“City ROARS吉隆坡城市巨响音乐节“、“小呼叫音乐节”及”Sofar Sounds”等演出后，孔雀眼推出首波温柔耳语情歌，MV于3月21日正式公开。

单曲融合了Urban 跟 Jazz Jam，由金曲奖最佳单曲制作人陈君豪操刀，也找来曾获得并入围多项金曲奖的爵士钢琴家许郁瑛合作，洒落的钢琴旋律让歌曲更添特色。

高校校园是独立音乐的摇篮，但独立音乐这片沃土却不是校园乐队的温床。在各项活动、赛事现场披荆斩棘的校园乐队的成员们，已磨尖了他们当初幼嫩的爪牙，再一次蓄势待发。

通过了筛选进入初赛的十一支乐队，在三月底的乐空间给我们带来了约二十首原创作品，风格有重有轻，有学院派的严谨，也有野路子的放肆。

其中一些乐队在初春的成都动静不小，多个知名LiveHouse已经有了他们的足迹，个别乐队已经累计了不小的粉丝基础，初赛现场压倒性的欢呼声令人振奋，观众振臂呼喊着乐手的名字，和他们一起合唱。

但是比赛是残酷的。有一些未知能力者的出现，很容易一瞬间击垮你的斗志。我们乐于看到他们之间火焰跋扈地对峙，更乐于看到他们因为对乐队、对独立音乐的执着而成为志同道合的伙伴。

来现场感受决赛吧，和我们一起躁翻整个乐空间。

宇宙企划Ucho Kika 是一个让人意外和惊喜的存在。乐队成立于2016年，曾用名为Cosmic Project，两名成员都是活跃于中国独立音乐界、艺术界的知名人士。朱博譞（西塔琴/吉他及其他）曾在刺猬、嘎调等乐队担任贝斯手，现为Nova Heart乐队成员，同时参与张曼玉音乐作品，孟京辉话剧《临川四梦》、《茶馆》的作曲、配器录音及现场演出。周因路（键盘/合成器）则是横跨纪录片导演、绘画、电子音乐的世界公民。2017年，成立不到一年的宇宙企划作为亚洲新声的代表，登上了法国著名音乐节Transmusicales的舞台，随后应邀参加美国西雅图著名独立音乐电台KEXP的现场录制，成为首支登上KEXP的中国乐队。

西塔琴传统与现代结合的演奏加上模拟合成器、鼓机及采样的运用，在即兴中碰撞出如星云初生的迷幻之声，这是宇宙企划近乎独创的音乐特性。这一特性从博譞与周因路在柏林的相遇时即显现了出来，两人的相同点和不同点也决定着宇宙企划音乐风格的广阔和难以界定性。

师从西塔琴大师拉维香卡门派名导师的博譞，借助印度古典音乐探索东方音乐的根源；深受坂本龙一、达明一派等东方合成器浪潮音乐影响的因路则用极简主义和电子舞曲音乐延伸其现代性。以当代俱乐部舞曲、世界节拍和独立摇滚为基础，宇宙企划以严肃东方身份探讨与浪漫细腻的感性灵光共同筑建了他们声音的血肉。

△ shot by 高经理

扔掉纷杂的音乐标签，出人意料的融合，这一切让他们的音乐犹如深邃迷幻、包罗万象的宇宙万花筒。而他们的现场也总是邀请来一大帮朋友加入他们的实时创作，打鼓的、吹萨克斯的、歌手、贝斯，甚至视觉、装置艺术…… 这种无边无界、包容一切正是呼应了他们 “宇宙” 的名字。

本次展览共展出中国美术馆收藏的近100件作品，希望通过梳理新中国以来艺术中「青春」的处境与性格，展示20世纪中国青年的整体风貌，从而鼓舞新一代不负青春。

100年前的五四运动，「青年」作为一个社会群体获得了身份和认同；在国家危难时刻，青年们流血流汗为社会发展做出巨大贡献；改革开放以后，青年们又作为反思历史，坚定美好信念的主力军，成为推动社会发展的重要力量。

20世纪的中国青年们为自己树立了光辉的形象。青年的性格就是社会的性格，青春的表象虽然随着时代的变化而变化，但不变的是青春尽情尽兴的洒脱和乐观向上的进取心，这就是属于每个人的新时代。

部分展出作品：

《七七的号角》，唐一禾，1941年

《阅读》，王盛烈，1954年

《希望》，张法根，1979年

《决战之前》，徐启雄，1984年

《昨天 今天 明天》，贝家骧，1984年

本次展览以「假装游戏」为题，呈现艺术家对既定现实与规则的深度体验和观察，带领参观者打破既定思维模式，跟随艺术家的视角产生新的思考。

标题「假装游戏」指的是以游戏化的态度或方式在作品中最大限度的制造规则并设立假想敌，从而与现实拉开距离或者无限接近。

围绕该主题创作的艺术作品既体现了作者的态度，也体现了艺术家的策略和勇气——通过一种处于「漂移」状态的游戏化策略，艺术家们尝试挑战艺术自身语言的既定规则，以及日常思维中的固有框架与体系。

部分展出作品：

《欢乐颂》，曹原铭，材料：二手玩具，2016年

《在路上-3》，石苗苗，综合材料，2015年（作品整体效果）

《不知哪个是真相》，计文于，2016年

高罗佩（Robert Hans van Gulik，1910-1967），抗战期间荷兰外交官，著名汉学家和小说家。他一生钟爱中国文化，琴、棋、书、画皆造诣不凡，除了汉学成就闻名于世，更以《大唐狄公案》系列侦探小说蜚声四海，自我评价一身三任：外交官是他的职业，汉学是他的终身事业，写小说是他的业余爱好。

在战时首都重庆生活工作的三年中，高罗佩经历了人生的几件大事：与晚清洋务派领袖张之洞的外孙女水世芳结为连理；与于右任、冯玉祥等人士组织了「天风琴社」，正式成为中国文人圈的一份子……

本次展览首次展出了高罗佩在重庆生活工作期间所收藏的文房用品、家居、瓷器古玩等近200件/套，均为高罗佩后人近期捐赠给重庆中国三峡博物馆的私人收藏。

展览将从「高罗佩的书房与文玩收藏」、「高罗佩的生平与汉学成就」、「高罗佩的作品与字画收藏」和「再续高罗佩与重庆的历史前缘」四部分，展示一位外国人的东方收藏，回顾重庆的抗战岁月，走近高罗佩的传奇人生。

△ 高罗佩夫妇与大儿子威廉

△ 高罗佩收藏的版画《大闹纪家寨》

△ 各国出版的狄公小说

为纪念包豪斯学院成立100周年，本次展览将展出德国摄影师、建筑师 Erich Consemüller（埃里希·葛斯梅勒）的摄影作品，呈现包豪斯校园内部建筑的特色，以及部分包豪斯学院艺术家的作品，窥探这所世界知名设计学府带来的百年影响。

Erich Consemüller（1902-1957）青年时受训成为一名木匠，1922年至1927年就读于德国魏玛的包豪斯设计学院。期间他接受学院院长格罗皮乌斯（Walter Gropius）委托，在1926年至1927年拍摄约300张照片，记录包豪斯设计学院的建筑、师生在不同工作坊中设计的成果和日常片段。

包豪斯课程的核心是「建筑」（building），学生在选科之前必须先用一年时间来学习颜色、形式和材料。由精通金属材料、木工、灯光设计的 Marianne Brandt创作的作品，是这种跨学科式综合教学方法的典范。

展出照片还呈现了包豪斯师生创造的一系列创新技术，如纺织创新面料 Eisengarn（铁纱线）、匈牙利裔设计师 Marcel Breuer 以扭曲钢管为材料设计的家具形式等。各种新材料与技术的结合，形成一种实用之美，使包豪斯发展成为20世纪最重要的现代艺术运动之一。

3月27日，中国戏剧导演孟京辉的大作《茶馆》受邀，进入2019年法国阿维尼翁戏剧节的in单元。这是阿维尼翁戏剧节73年历史上，中国大陆话剧的首次入围。作为“戏剧届的奥斯卡”，阿维尼翁戏剧节也代表了世界戏剧的最高水准。

同时，由孟京辉导演的中国第一部浸没式戏剧——《死水边的美人鱼》，也正在北京蜂巢剧场上演。整个蜂巢剧场被打造成一个梦境般的迷宫，16个演员将在各个空间里来回穿梭，他们相遇、交谈、离别，加上支线的49个小故事，几条重要的情节线还会重复上演。因此，选择不同的路线，会看到完全不同的表演和剧情。你有可能会错失某些段落，也可能会在一个重要场景前驻足两次。

以“浸没式”的特殊视角零距离观演

营造“身临其境”的观剧体验

在即将上演的《死水边的美人鱼》中，颠覆性的观演将使整个蜂巢剧场的潜能无限放大，观众不再是坐在剧场的座椅之上，而是在整个蜂巢剧场的演剧空间里主动地随意地探索剧情，并且全身心地进入剧场情境。观众不再被动地按规定的剧情去欣赏戏剧，而是可以主动选择跟着某个角色，看他（她）会见到谁以及发生什么，既可以远观，也可以就在一尺之内贴身看表演的细节。既可以选择奔跑着追赶不同的角色，也可以随意游走，探索未知的神秘线索，唯一的要求就是不能说话。

浸没式戏剧（Immersive Theater）的概念最早起源自英国，近几年迅速成为美国纽约的文化热点，它重新定义了观众与演出空间“观看”的关系，以及演员与叙事的“表演”关系。它打破了单方面表演者在舞台上、而观众在舞台下观看的表演方式，而是采取了互动式的体验。由于演员会在不同的空间里移动，观众可以自由地在表演场地中选择自己想去的地方和追随的角色，剧情和视角则会因为自己的选择决定而有所不同。

多线程叙事打造戏剧迷宫

疯狂探索梦游般的荒诞剧情

《死水边的美人鱼》创作灵感来源于超现实主义绘画大师马格里特和德尔沃的画作，讲述了一个关于身体出轨与感情投契的爱情悲剧。男主人公爱着妹妹，却为了利益出卖了爱情娶了姐姐，生活在同一屋檐下的夫妻俩人从不照面，相互回避相互怨恨。妻子的痛苦与日剧增，丈夫和妹妹也各揣心事，阴谋、爱欲、权利、谋杀……这些所有的矛盾在一次夜宴上全面爆发。

整个蜂巢剧场将被打造成一个梦境般的迷宫，16个演员将在各个空间里来回穿梭，他们相遇、交谈、离别，加上支线的49个小故事，几条重要的情节线还会重复上演。因此，选择不同的路线，会看到完全不同的表演和剧情。你有可能会错失某些段落，也可能会在一个重要场景前驻足两次。

多线程叙事的戏剧就像是让观众进入了以自己为第一人称视角的迷宫游戏。演员们各奔东西，而观众只能选择一条线索跟随，分散的线头后来又会一而再再而三的交叉重叠，你需要不断选择、转移或放弃。完整的剧情并不是这部作品的关键，每个人看到的都只是人生的一块碎片，而视角的变更是观剧的重要部分，从不同的方向和角度来看一个剧情场景就会产生完全不同的观感，不同的观众眼里将会有不同的剧情。而等他们走出剧场后，互相谈论起来才可能会一窥时局的全貌。

五维戏剧含多重高潮

坠入立体几何式逻辑漩涡

《死水边的美人鱼》整个演出有少量对白，大部分的表演完全依靠演员的肢体、眼神和音乐完成。10位演员均来自孟京辉戏剧工作室《恋爱的犀牛》剧组，他们平均每人都有超过1000场的演出经验。导演孟京辉还特邀美国著名编舞Chris Masters担任该剧的Movement director（形体指导），美国著名音乐创作人Sven Britt进行音乐设计，整个蜂巢剧场将打通诸多密道，作为剧情线索的重要道具将隐藏在各个角落之中，寻找细节中藏匿着的秘密，也将成为戏剧的一部分。

整个戏剧的五维时空下，线路流程和故事流程将被精心设计和缜密构思，也就是说，观众可以站在第五维上，看到任何故事时间线上角色的选择、以及这种抉择带来所有的结果，假使能有一张全息的俯视地图，那么你将会看到整个故事的不同情节线在各个时间点各个地点中是如何展现的，而视觉、听觉再加上加上触觉、嗅觉甚至味觉环境，都把观众引入到一个完整的世界。

比“近”更“近”的一对一表演

你，不仅仅是观众，你将成为戏剧的一部分

最令人期待的是，在整个跟随观看的过程中，每位演员将随机选取其中个别观众，带领其进入更加私密的独特空间进行一对一表演，你可能独自和演员对视，也可能会帮助演员完成剧情，这种“比近更近”的“超互动”让观众真正成为演出的组成部分，再也看不见现实和戏剧的边界。