当地时间9月9日晚，第80届威尼斯国际电影节各大单元的奖项逐一揭晓。尽管本届电影节的主竞赛单元遗憾没有华语电影的身影，但颁奖典礼上，李鸿其自导自演的首作《爱是一把枪》最终在颁奖典礼上扬眉吐气，获得“未来之狮”长片首作奖，成为本届唯一获得官方大奖肯定的华语电影，亦是电影节历史上首部获得该奖项的华语电影。
虽然片中的角色“五行缺水”，但水城最终成了李鸿其的福地。他在获奖感言中表示，过去曾有很多华语电影的大师来到这个舞台，他们影响了自己的电影世界观。同时，他也感谢了自己的爱人王紫璇，是她鼓励自己把这部电影分享出来。在随后获奖者媒体见面会上，他也提到希望自己能够永远保持对电影的初衷，未来的拍摄会更有纪律。
《爱是一把枪》讲述李鸿其饰演的男主角番薯在出狱后经历的人生迷茫，用诗意的镜头刻画了这位小城青年试图重新融入周围环境、恢复过去的生活时面临的压力，影片在团队人手极为有限的情况下完成。“未来之狮”除了嘉奖影片品质，更看重导演日后电影之路上的潜力。李鸿其也在电影节的映后交流中透露，自己的第二部作品已经开拍，他还将担任摄影师的角色。
我们在威尼斯与李鸿其聊了聊这部身份转型之作，他回顾了在片场导戏时的迷茫和困惑，导演身份也让他对表演、电影摄制有了更全面、深入的认知。他回答问题时，俨然像一位导演在讲戏：喜欢营造一种情境和状态，注重感觉的传递，随手拈来例子增强说服感，让对方不断体认——你若悟到了，就是悟到了。
以下是李鸿其的自述：
谈剧本创作：我想要拍一部浪漫气息的电影
剧本最初的想法是来自于我的一些朋友，他们刚刚出狱，想要去送外卖，但不被允许，因为曾经犯过错，他们必须要申请证件证明自己的品行才行。无论如何，你做错了事，一辈子都会背上这个影子；第二个原因是我看到当下年轻人的困境，现在的年轻人承担的经济压力太重了。我最早写的故事是妈妈生病了，要50万台币（10万人民币）才能治好，但我觉得生病好像太悲情，所以我就改成了现在的还债。
第三个原因则是我看到的新闻中，有一些作案的枪手还很年轻，当他们被抓的时候，看上去好像没有伤人的架势，也没有什么背景，但是什么是造成这样的原因呢？
我好像能感知到一些，但是我无法具体解释番薯之前究竟经历了什么。我自己喜欢看事情的角度，是从人群中偷偷看到一个人很落寞的感觉，这部电影我有意地要从中间开始，没有说番薯从哪边来的、怎么样，而是他看着身旁的人发生一些事才去反应，他永远是被动的，处于一种观察的视角。因为我自己本身不喜欢看重新解释的故事，我喜欢这样直接呈现的方式。
所以这个戏没有完全按照现实主义题材路子去走。因为现实主义是对某种层面的写实，但我一直想要往浪漫的方向去拍，放放烟花，也希望有一种田园中的感觉，番薯一直不断思考着自己的人生是怎么样，他简简单单开开心心就好。
现在的成片，跟最初的剧本差别还是挺大的。原先的设计中，番薯跟他女朋友一起来到台北，原本是女朋友叫他回乡下，不要再待在台北飘着了，回乡下生活会没有压力，可是番薯就觉得我就是要在台北。但因为疫情来了，我们不能拍，所以全部倒过来，是他女朋友觉得你应该要留在台北。
包括原本番薯的女朋友的角色的存在感也是比较弱的，原先写的是她、番薯和社会上的一些大哥的纠缠，但是那个时候必须要改剧本，因为台北那时候已经处于三级封控的状态，所有餐厅都要管，所以一开始准备的一些台北市的餐厅、街道的场景都没用上。
谈演员表演：演员是被导演窥视的
在给演员讲戏的时候，我会把前面写了很多稿剧本给他们看。在片场，我会先引导演员，告诉他们去想自己做的。是不是做到了？如果是，就一直会这样。 对某一些演员，我只给他们看了部分剧本。我可能前一天写好再给他们，然后我们来对台词。有时候我听到他们念台词时，觉得很怪，我就说，“好，那就不要台词，无论如何你都要讨债讨到这个钱，我已经有给你素材。”
演员是要真听真看真感受的，我只要感觉到他们在“演”，我就会停。但如果像是在跟我这样正常聊天，那没问题。之后我们一起看回放，我会问他们，“你觉得OK吗？你觉得你有演到吗？”如果大家觉得好像还蛮自然的，就OK了，大家都没毛病。
我也合作过一些导演，能做导演的人一定有自己的特色，所以我会一直跟他们学习怎么去跟演员沟通。有一些导演是“喊骂式”的，或者是拍很多次的，或者是引导式，方法都很多，每一个演员一定都有不一样的相处方式，有些演员要一句句教；有些演员则是随便演就演得很好；有时候你给限制了，反而效果就不好；有些演员则是一定要知道得很清楚。
不过还好，来拍这部戏的基本都是我的朋友，人在慢慢引导时，他们会品到一些东西，把感性的一面拿出来。我们就是好好聊，他们就听得懂。有些人可能需要先“骂一骂”，再来演——但“骂”只是方式而已，因为我们一定要让演员们的表演是好的。
我觉得在拍戏时，演员处于一种被导演窥视的状态，因为导演要看到表演很私密的那一块，但我觉得这一次更有趣的是素人演员的很野生的东西，是我不会、也做不到的。如果剧本修改了，表演方式也要修改，比如说码头那一场，跟我演对手戏的女演员来跟我吵架，她说，我真的想打你，把你踢下去！我说那就打！干嘛不打？她问可以吗？可以这样拍吗？你不会受伤吗？我说不会！像拍纪录片，没什么戏剧性。
我的第二部戏全部是手持，自己扛着机器。所以当演员有情绪的时候，我自己慢慢走近看他们。有时候我发现演员会紧张到抠手指，我就会（把镜头）往下带，抓住这个动作，他正在表演，不可能看我；然后他走路，脚步会变得更靠近，我像是偷偷在观察演员一样。
做了导演之后，再回过头来看演员表演这件事情，我觉得好像更放松，因为我可以更有掌握。参加过后期，就会更知道表演上可以给导演选择的剪接点有哪些，或是表演对观众来说有没有效果。因为有些表演并不是真实、写实就有戏剧效果，有时候其实做一点点东西就够了，比如说我不需要拍演员们很清楚的样子，他只要坐在窗边，我只要拍他身上，那种感觉就够了，只要一个简单的手势，就可以讲清楚很多。
谈影片拍摄：享受迷茫的过程，这代表一种进步
拍这部片时团队人非常少，最早的团队是5个人，1个录音师，1个美术，1个摄影，1个制片，还有我，最早是拍手持，所以很多时候只有一个机位，基本上没打什么光，我们都是捕捉自然光，另外一个原因是，剧组大多数的演员都是素人演员，他们没办法再重新来一遍，所以我们只能就像拍闪电一样——有没有那一瞬间？有拍到那就有拍到。但我们至少一直等，所以我时常都拍十几遍，每一个镜头基本上都是七八分钟，包括开场的镜头应该有10分钟，只是我掐头掐尾，把它掐掉。
我之前也没有给任何导演看，只给韩帅导演看了一下，她是我们这部电影的策划。她给我很大的鼓励。我理解我拍的东西有点松散，这是实话，但是松散我刻意要的。韩帅导演有在电影学院教书，我希望她能给我一些建议，她告诉我，她很享受、很喜欢这种感觉，有一些不理解的剧情的地方，她会补充一些意见，我再重新补拍。
我第一期是拍13天而已，经费很少，第二期我又补拍10天，补拍经费可能多了五六倍，多了很多特写镜头，最终我们只用了1/5、1/6左右的素材。我觉得我浪费了好多钱补拍，其实那时候摄影师叫我不要补了，因为第一期素材中那些生活化的感觉很珍贵，还是保留这种味道。但是不得不说，第一次拍的一些桥段比较粗糙，最后开枪的桥段也是补拍的。
一开始是一个远远的镜头，番薯扛着伞走过去，旁边就有一个小弟，啪啪啪啪开完枪后然后开始跑，整个画面小小的，有点布偶戏的感觉；但我觉得必须要看到番薯的态度、他身处怎么样的环境。当番薯穿上西装、鞠躬哈腰，他又回到一种做派中，最后开完枪、脱掉衣服，又回到另外一种做派了，这是我的一些设计，但一开始张力是弱一些的。
在片场时，我当然也会慌张，我时常要等两三个小时才能开拍。比如说用枪指头那场戏，我前面拍了四五遍，结果一看，我在拍什么？感觉真的不对；也可能情感比较私密，我觉得那个东西我好像拍不了，我心想，完了！我是不是要毁了这整部戏？因为这是一个很重要的时刻。
然后我们尝试了很多种方式——我自己用枪指自己的头、哭泣，任何方式。拍电影，有时候你必须得要放弃一些叙事，因为在现场的感觉才是最对的，那是在塑造某一种氛围，但最后好像我得要是一直试、一直探讨，为什么抓不到那个点？因为剧本写好了，我就觉得我写剧本时候是对的，但是我怎么重新在现场又感觉不对？这样的时刻每天都有，但是我非常享受这个过程，因为这是良性的，代表你又要进步了。
有时候回想起来，所有东西都是我在重新检视，在拍戏之前，我会回想这是我人生中的哪一段经历，我今天一定要把它拍出来。那个过程一定有很多很痛苦、很难受的记忆，一定要很诚实地面对。
我无论如何要抓住自然这件事情。有时下大雨了，但我不可以执着于太阳天，因为我没时间等，但又必须要拍——那就要花很多的时间想，这场戏下雨可以吗？原本我是要阳光明媚的感觉，比如我是希望番薯在一个艳阳天，扛着伞在沙滩上晒晒太阳。但最后变得有点阴郁，太阳藏在云层后看不到了。但这种情况下又必须要拍，最后出来的感觉还蛮特别的。
谈“爱”和“枪”：爱有时很危险，它会伤人
这部电影中，每一个人对枪的态度是不一样的，你看我的好兄弟，就是要拿枪对着你，他对你的“爱”的方式就是这样，因为他是真的觉得：你怎么现在变那么烂？因为他是黑社会，他的方式就是比较阳刚一点的——好兄弟，你不要再那么堕落——不论这种方式好或不好。
番薯的女朋友也是，当她看到番薯还拿着枪，她说“要报警抓你”，“这个没有用的人”，她的爱是这样的；我的同学则是用枪指着头；最后番薯开了枪，他逃了，因为他觉得人生好像已经完了——他穿上西服鞠躬、已经回到那种做派内，他认为爱自己的方式，就是对自己好。
所以我觉得爱就有时候像一把枪，它很危险，可是它又会很伤人，就像番薯的女朋友，她一定要激怒他，因为她恨铁不成钢。爱的方式很也有多，愿意接受也是一种爱：你是怎么样的人我都接受。
你看就像我的父母，他们有时候爱你的方式是很……他们会用打骂教育，因为他们就是爱你，对吧？有些人爱你的方式，是不在乎你的过去，不在乎你所有东西，在当下我可能做错了一件什么事，对方可以包容、可以接受，像对自己的这把枪一样。
谈导演心得：电影是“玩”出来的
首先真的是非常荣幸。我一开始给威尼斯国际电影节之前的主席马可·穆勒看了片，他看的时候觉得，这部片隐约有以前台湾电影的感觉，所以他就传给影评人周的主席。那天看首映，我觉得怎么会这样？一定可以拍得更好；但后来会觉得，如果我再演一次，可能不会演好。
这一次当导演，我更看清楚拍一部电影的所有层面，真的很辛苦，首先要花好多时间找合得来的演员，要在现场要处理光，还有人情世故——谁又不见了、谁又不演了，后期剪接真的是剪不起来……就产生自我怀疑。
当导演是掌控作品的所有层面，每一个想给观众看的层面，都是由你来控制，而当演员你只能被剪接。有时候一个好的表演真的是可以被剪出来。如果台词不好，就把它挖掉，然后另外再配音；可能这部分不好，加音乐润色会稍微好一点……但这一次就像是画一幅画一样，全都是要自己画，没有任何加工。
我以前想的导演方式，可能就是顾好画面，顾好演员表演，但这一次因为真的太特殊，都是好朋友来参加，团队人也很少。我希望拍得冷一点点、远一点点。所以这部戏我没有那种坐在监视器后面做导演的感觉。我觉得电影是“玩”出来的，我们像学生一样，大家彼此丢一丢创意，非常开心，最后让它自然地发生，他们也会模仿我导演的动作。演完之后，大家会问玩得开不开心、觉得演得自不自然，我说我很自然，那就这样。
就像我这一次当导演，也是因为很多演员给我的养分，我才能做到现在这样，比如看前辈们在现场如何跟摄影师沟通灯光和机位，有时候在现场创作时，灵感才会来，而不是坐在监视器后。
很多演员说，当演员最好还是懂一点摄影，这样才会知道怎么拍会比较好看，比较有感觉，其实一模一样，我当演员、我参与其中，包括通告表都可以学习：为什么会这样排表？因为这是演员的大情绪戏，需要哭得比较用力，所以今天就只拍这一场，如果拍一堆，然后又要演员哭，那就会没有能量。所以方方面面来说，不论对表演、导演，都是好事，
我也理解作品会受到批判，这是一定的。我也有看一些评论，他们也会让我思考自己是不是把我的感受拍得比较抽象。其实一开始我不想把这个片拿出来，因为我觉得太私密，只是一个很纯粹的创作，而不是说我筹备了一个盛大作品、要告诉全天下。只是因为我喜欢电影，所以才拍电影了，相当于练习——我们甚至比一个短片、一个学生作品花的钱都还要少，没有任何投资，是超级无成本的无成本，所以就没有投资方的压力。
我自己不太喜欢讲得很清楚的电影，平常喜欢看一些小成本的制作、像洪尚秀之类的，我也非常喜欢剧本结构很成熟的作品，像李沧东，但可能我的经验还不够，还需要时间寻找，这条路是很长的。我也很喜欢拍照，有时候很简单的颜色、很喜欢的线条、很有趣的朋友的说话方式，我都很想捕捉。拍电影对我来说，像找一种“手感”，就像你打字，打着打着，一些不曾出现的想法就来了；又像讲一个故事，说着说着就有点鼻酸。我做导演就是在找寻这个延伸过程，从生活中找到一点荒诞和荒谬的感觉。