单方面宣布，这一季的巴黎时装周收了个好尾！
从秀场到街头，有太多意想不到的“花活儿”出现在秀场内外。在本季巴黎时装周开幕前，法国时装联合会主席Pascal Morand曾公开表示，希望本季能够展现出“巴黎的活力”。
他没有食言，确实，9天的时间，在72场官方发布时装发布会与37场presentation中，值得关注的既包括了Givenchy、Tom Ford与Dries Van Noten的新任创意总监首秀，也有作为定海神针的Chanel、Dior、Balenciaga等巴黎老牌时装屋的如约而至，另外，Alaïa本季选择重回巴黎时装周，而Saint Laurent成为了此次巴黎一站最后的压轴大秀。
就在这些大秀接踵而至之时，3月4日晚的卢浮宫举办了名为Le Grand Dîner的筹款活动，与正在进行的Louvre Couture展览相呼应，可以说巴黎终于有属于自己的Met Gala了。而在3月8日国际妇女节当天，Dior筹办了纪录片Her Dior的首映会，展现了Maria Grazia Chiuri入主Dior以来与各界女性艺术家的精彩合作。而另一边，在Saint Laurent刚刚重装一新的Saint-Honoré旗舰店内，Sushi Park餐厅正一座难求。总之，巴黎时装周终于告别了数季以来的沉寂，它在用一个又一个或令人交口称赞，或令人直呼意外的创意表达，大声地招揽着世界各地的时装爱好者，再次宣告自己依旧是不可撼动的时装之都。
如果用一句话来形容整季的巴黎时装周，可能只有“没想到，还是没想到”可以概括了吧。
没想到，缎带有灵气，还会飞！
我们可以预见的是，在创意总监上任前的过渡阶段，从品牌档案中选择一些核心元素进行再度诠释无疑是万全之策。但没想到的是，继此前的羽毛和斜纹软呢后，本季精品部创意工作室瞄准了看似微妙却又充满潜力的主题——缎带。
场景设计师Willo Perron在秀场中央打造了一条巨型的黑色缎带装置，围出了场地的边界，几乎直指大皇宫的穹顶，恢弘却又轻盈。
而这种感受也贯穿在整场大秀对缎带的各种花样表达上，它可以是一个简单的蝴蝶结，细长飘带在空中摇曳，也可以层层累积，化作礼服裙上的浪漫肌理。不同的材质、长度和比例的变化充实着缎带的装饰性与创作方式，甚至是流动的缎带图案化为印花，形成某种对错视效果的玩味。
与此同时，缎带的轻盈与浪漫也成为一种抽象的感知，赋予薄纱、针织品新的创作形式，比如叠搭在斜纹软呢外套上的纱质斗篷，宽松垂坠的府绸衬衫，还有充盈的彩色针织衫，呈现出丰富的系列矩阵。
当然，Chanel的设计还必须带有一些趣味性。本季我们可以看向那些超大号的珍珠元素，它既塑造了包款的新造型，也成为了鞋跟上的明珠。
而说到鞋履的设计，缎面褶皱装饰的高跟凉鞋或许会是下一季的热门单品，视觉上优雅却带着某种新鲜感，这或许是我们一厢情愿的心理作用吧，但不可否认的是，距离Matthieu Blazy在Chanel的首秀越来越近，所有人都渴望着他能够为这家经典的法国时装屋带来一些新的惊喜，那套牛仔效果与薄纱质感相结合的幻象套装或许是某种暗示？让我们耐心等待吧。
没想到，秀场搬到站台走？
没想到，一向与卢浮宫场地“绑定”的Louis Vuitton，本季带着嘉宾们来到了位于巴黎北站附近的一处铁路公司办公大楼的原址，女装艺术总监Nicolas Ghesquière邀请自己的老朋友、艺术家Es Devlin将大楼内的中庭布置成了候车室的模样，大家仿佛即将走上站台，踏上远行或归家之路。
Ghesquière这样的做法完全在情理之中，Louis Vuitton深厚的旅行基因无疑是整场大秀最重要的背景提要。而更值得玩味的是，他以时装为本季的所有模特提供了一次“角色扮演”的机会，扮演的不是别人，正是现实生活中在站台前奔忙的各式旅客。
“人们在这里相遇，在这里分离，在这里重逢，在这里离别。”Ghesquière这样解释创作的灵感。她们或许是攒够了车票钱等待与家人团聚的铁路工人，或许是与家人不告而别的叛逆青年，亦或是等待东方快车到来的精致贵妇，这些角色的设定让系列中的各种材质混搭合理化。
而与此同时，灵感版上囊括了诸多与时代列车有关的电影作品，比如《2046》《雪国列车》《相见恨晚》《卡萨布兰卡》，而象征着不同时代列车速度美学的装饰印花也出现在从套装到连体裤的细节之中，但由于Ghesquière擅长的未来主义风格，这些略显锋利的元素并不显得违和。
实际上，在庆祝完自己在Louis Vuitton效力十周年的里程碑后，Ghesquière的创作动机有了更明显的转向，他不再拘泥于某一种材料和工艺的研发来集中凸显超越时代的先锋感，而是以更微妙的切口，试图将品牌精神中“旅行”的宏大叙事落地，关联起每个人的生活，这或许正是Ghesquière的高明之处。
没想到，大秀变成五幕剧？
在时尚界的灵感档案中，以Virginia Woolf的名作Orlando为灵感探索性别流动的议题并不是什么新鲜事。但Maria Grazia Chiuri选它是有理由和自信的，因为她能将任何古典的要素现代化，并重新引发人们的讨论。
首先是戏剧化的呈现方式。一贯走简洁路线的Chiuri这次将声光电的效用拉满，邀请舞台设计师Robert Wilson在舞台中央布置了诸多动态装置，从秋千、史前飞鸟，到岩石、陨石坑和冰山，对应出现在秀场的不同时刻和预设情节之中。更前所未有地是，为了完成秀场的叙事性，Chiuri将整场秀划分为五个部分，像是音乐剧中的一幕幕场景连番出现。
随着秀场“情节”的深入，服装上的细节变化也越来越丰富，从镂空贴花刺绣工艺在科技面料夹克上的组合带来前所未有的摩登感，古典的衬裙被解构，并通过黑色丝绒缎带重新演绎，贯穿于细节之中的巴洛克珍珠也成为点睛之笔。
对于Orlando中性别流动的象征，荷叶边式白衬衫与紧身胸衣，Chiuri自有一套改良。看似挺括蜿蜒的衣领实则可拆卸，作为任何造型中的配件使用，增加了单品的实用性，而在皮质胸衣上依次排布的金属拉链，则取代了束腰系绳的实际功能，让女性得以自由控制贴身程度。
而秀场尾声出现的J'adore Dior字母T恤也同样令人惊喜，将我们的记忆拉回了John Galliano的黄金时代。事实上，在Chiuri的任期内，她毫不避忌地致敬诸多品牌历任设计师的作品，并将其转化为当下的热门爆款，如果说谁是当今最具有时代精神的创意总监，从观念到行动，绝对非她莫属。
没想到，女骑士拎着柏金包来了！
没想到，在3月8日国际妇女节当天，Hermès女装创意总监Nadège Vanhée-Cybulski在秀场召唤出了最强有力的宣言，她将这个系列形容为“Leather Dandy”。
在巴黎共和国卫队总部，层层嵌套的环形秀场中铺满了马场才会有的泥浆，大秀开始前，现场的工作人员又重新铺匀压实了一遍，暗示着脚步强势的女骑士们即将到来。
不出所料，Vanhée-Cybulski继续发挥着她对皮革的高超理解力，并依托品牌的工艺实力，把皮革品质感推上了新的台阶，不过于抢眼但又异常奢华的光泽感甚是迷人，相信没有什么“养马人”能拒绝这种质感的诱惑。
而本次大秀的创新之处在于，Vanhée-Cybulski发现了毛毡的潜力。她将原本只是皮革和鞋履支撑物的毛毡做出了如皮革般顺滑的效果，再不是皮革的陪衬，而是能够媲美其挺括和柔软度的新主角。
“这个系列关乎于自信、力量，也关乎性感和成熟——以及拥有。”Vanhée-Cybulski所指的正是秀场上鱼贯而出的女骑士形象，她们大都身披廓形大衣或斗篷，搭配短款皮裤与绗缝马甲，脚踩马术长靴，几乎毫无停顿地从嘉宾眼前走过，完全贴合我们对女性力量的理想化设定，而其中穿插出现的莹亮绿意，取自柏树、椴树与松树的色彩调和，点缀出新系列的勃勃生机。
当然，最受欢迎的还是一系列即将面世的新包款，但在这里Vanhée-Cybulski提供了一种新的造型思路，柏金包不只是某个特定群体的专属，也可以是女骑士尽显潇洒的随身之物。
没想到，满钻长袜来了！
耶纳宫是Miu Miu在巴黎办秀的常用地，但这次的秀场面积只有往常的一半，自然而然地让嘉宾们离造型更近了些。特别是在覆裹黄色云纹绸的空间背景下，所有单品几乎都被扫上了“着重记号”，而毫无疑问，最引人注目的就是那双满钻的灰色长袜。它必定是继水钻内裤后，Miuccia贡献的又一热搜爆点。
乍看之下，本季的Miu Miu造型相比以往的怪乱混搭有所收敛，整体的基调更偏向七十年代，更准确地说是女孩们拿出了长辈衣橱中的古董衣服来穿。硕大的皮草翻领和披肩，落肩式的超大号歌剧大衣，彩色螺纹针织衫，做旧质感的乐福鞋，还有“故作成熟”的金色花朵配饰，纷纷抢占了我们的视觉焦点。
但其中也不乏让人啧啧称奇的造型亮点，比如不经意倾斜的胸衣设计，使经典的裙装轮廓发生形变，丝缎打造的细腻连衣裙让人难以分清家居服与外套的界限，鸢尾紫、柠檬黄、砖红色、三文鱼粉的对撞带来视觉冲击，而胸前的Miu Miu标志却被大幅度弱化，转移到了丝袜边缘、胸衣中央、睡裙背后等更为私密而暧昧的角落，诚然，谁能拒绝Miuccia Prada带来的Miu式诱惑呢？
没想到，压轴登场的是它？
本季时装周的压轴大秀，由Saint Laurent创意总监Anthony Vaccarello挑大梁，感到意外只是一瞬间，毕竟在当下的巴黎时装界，Saint Laurent象征着某种对时装屋传统和时装本质的回归。这当然要归功于Vaccarello的才智，他知道Saint Laurent的档案中有哪些精华，更知道如何才能收放自如。
在黑玛瑙墙面和矿物肌理营造出的椭圆秀场之中，Vaccarello希望把一切推向极致，在尽可能简约的元素下尝试最饱满丰富地组合公爵缎、皮革、蕾丝、豹纹与硅胶浸染的印花雪纺真丝，这四种材质几乎可以概括整个系列的主要面料，但各种高饱和度的色彩对撞成为重点。
面料本身的质感承载了塑造服装廓形的任务，让线条变得松弛纯粹，而强调仪式感的任务则落在了水晶石配饰与缎面玫瑰尖头高跟鞋上，这是Vaccarello钟爱的配饰造型，能为他任何一季的作品注入Saint Laurent的创意灵魂。
时至今日，Vaccarello已然不仅仅是Saint Laurent历史中接任创意大权的设计师之一，更是为品牌提升美誉和行业地位的重要功臣之一。如果你在连续地关注他在Saint Laurent效力的过程，会由衷地感受到这种从量变到质变的转化，就像他曾经说过的那样，可能不需要某一个具体的造型作为启发了，他对Saint Laurent的理解是一种氛围、一种宣言和一重宇宙，时刻浮现在脑海之中，令他下笔如有神。
没想到，成衣当成高定做？
通常来说，每一位新任创意总监的前三季都非常重要，从热身到熟稔，这是目前行业内“耐心”的平均值。而在Seán McGirr作为McQueen创意总监呈现的第三场大秀上，我们明显可以感受到他正在离“自如”的手感越来越近，一方面是克服了初来乍到的生涩，另一方面，他正以自己的感知来重塑McQueen的现代价值。
“于我而言，Dandyism是一种终极的装饰行为——它深具个人色彩，又充满玩味和反叛精神。它引发关于个性与身份、理想主义与性别的思考。我想探讨这种属于Dandy的激进精神在现代世界中的持久影响。”McGirr在官方新闻稿中这样解释道。显然，这既顺应了McQueen本源中的剪裁精神，又与即将到来的Met Gala主题遥相呼应，间接为他的作品铺垫了更多得以公开亮相的机会。
模特们从装置艺术家Tom Scutt打造的镜面通道走进秀场，略带倾斜感的视觉效果预示着McQueen风格档案的扭转与颠覆。黑色双面羊毛羊绒打造的修身长外套、长西装，几乎如绷带般包裹住身体，配合隐约露出肌肤光泽的蕾丝面料，浪漫诡谲的哥特氛围呼之欲出。
锋利的尖头高跟长靴与羊羔毛制成的超大号外套带来刚柔并济的对比，水钻密集镶嵌而成的铠甲式面罩上勾勒出灵动的花卉纹样，这些看似矛盾的元素，在McGirr的梳理之下变得流畅且得体，似乎依稀让我们看到高定版本的McQueen形象。但我们还可以期望更多，如果McGirr可以让要素更精简，呈现更集中而清晰的观点，他会收获更多的掌声。
没想到，秀场搬到盥洗室？
当听到Alessandro Michele将本季Valentino的秀场主题定为“亲密关系的元戏剧”时，我们并不会感到意外。他擅长调用晦涩的概念，并将其置于超现实的环境中，为其极繁主义的时装赋予一层神秘感。但万万没想到的是，他选择演绎亲密的方式似乎有点“太超过了”——直接让人置身盥洗室，折射近乎窥视般的欲望视角。
简单来说，即使是面对最亲密无间的伴侣、身处最自我无拘的时刻，每个人也都无法摆脱某种拟态环境施加的束缚，我们会不由自主地将某些视觉和文学片段中的相似场景对号入座，继而修正和美化自己的行为习惯。就像是模特们在洗手池前貌似旁若无人的打理，实际上，他们的每一个动作都在脑海中精心设计过。
“没有任何的亲密关系能完全揭示我们的真实自我；也没有任何面纱可以被揭开，让我们直面真正的自己。”Michele这样解释道，似乎“精心设计”是根植在人们内心的潜意识。而这亦为他所创造的极繁主义造型提供了合理化的土壤——我们都需要这些充满张力的造型，即使嘴上说不，但身体很诚实。
除此之外，Michele的盥洗室大秀还完成了另一重突破，即异化了Valentino与生俱来的优越感（与首秀中破碎的镜面置景异曲同工），秀场中目之所及的红色可以被认为是Valentino红与Michele美学的直接交集，但直观感受上来说还是后者的比重更为突出，这是他希望呈现的结果吗？答案或许是肯定的，就像他在秀场笔记的最后所提到的，“远离任何本质主义的束缚。”红色是Valentino的本质，但创造力可以打破本质的藩篱，拓展全新的维度。
没想到，Demna这次不整活儿了？
世界末日、数码幻境、游戏世界……不好意思，这次Demna都不想玩了。走进迷宫式的秀场，只有后台幕布构筑其前场与后场的区隔，秀道窄到无法转身，也没有给观众第二次看清造型的机会，模特们匆匆而过，就像身边的i人朋友：话不多，就这样，告辞。
“把椅子放在头上，然后说，哦，那是可穿戴的艺术，或者把派克大衣倒过来，我在过去 12年里一直这样做，当然，我以前喜欢这样做，但现在我也觉得自己可能受够了。”Demna在后台这样解释本次秀场的主题“Standard标准”。
曾经他是打破标准的人，但现在，他希望能遵循着标准做点什么，开场就是一系列商务正装的再造，还原了日常打工人的衣橱必备，当然衣橱里也有一些恼人的“虫蛀”，Demna也以诙谐的视角为之所用。
及地的皮草大衣以忠于生活场景的实用比例呈现，而模拟撕裂效果的T恤背心则重现了居家的随性乃至“躺平”时刻。短款绗缝羽绒外套中内嵌了紧身胸衣式的结构，为追求保暖需要且强调线条的消费者提供了新思路。棉质卫衣上的“Luxury”字样，带有Demna一贯的戏谑调侃，但内衬中细腻的山羊绒确确实实足够奢侈。
就连礼服裙，Demna也不想做得太招摇，甚至直接用泳装面料和长款来实现曳地礼服的效果。如此克制、冷静和“老实”的作品，是否意味着Demna已经厌倦了时尚？Demna显然受够了舆论的过度解读：“我会永远留在时尚界。也许我现在想做的只是为顾客制作精美的衣服，为那些喜欢我所做的事情、对这种审美有共鸣、通过穿着而不是猜测来理解衣服的人。”
没想到，真有“装在套子里的人”？
再次强调，不必过度解读，这里引用契诃夫的小说名只是为了更精准地描述Pieter Mulier塑造轮廓的方式，别无其他。
这是Mulier就任后品牌首次出现在巴黎时装周的官方日程中，秀场空间选在了修葺一新的巴黎Alaïa工坊，雕塑艺术家Mark Manders的作品点缀其中，而Mulier也不负所望，让身体成为移动的雕塑，不过与往季相比，这次的介质和效果都更加奇异。
嵌套在头部的圆环顺连到紧身上衣的结构中，强烈的包裹感几乎再造了女性躯体的动态美感，仿佛为现代女性穿上了一层最柔软的铠甲。
Alaïa先生当年也有“紧身衣之王”的美誉，但Mulier的高明之处在于，他并非复刻经典，而是在延续Alaïa身体塑造的概念，特别是这一季显得更为大胆激进，它如何在现实生活中穿着似乎并不是Mulier考虑的重点，相反，他的笔记中侧重于身体宣言的呐喊，“你的身体，属于你自己。”
谁能接收这份共识而敢于在造型上冒险呢？或许是广告大片中久违了的Daria Werbowy，或者是一向不羁的Miley Cyrus，总之，只有勇敢的人才能先享受这季的Alaïa。
没想到，气垫做成连衣裙？
Sarah Burton与Givenchy的相遇和再相逢，一切都非常戏剧化，而筹备和展示首秀的一连串过程中，更像是一出高潮迭起的连续剧。
众所周知，在Sarah Burton还是Alexander McQueen助手的时期，她就曾负责把McQueen完成好的新系列从伦敦护送到巴黎的Givenchy工作室。而如今，她坐上了McQueen曾匆匆入席的位置，对于这种妙不可言的缘分，只能赞叹是天时地利与人和的作美。
也正因如此，Burton对于Givenchy时装屋的档案和传统并不陌生，但还是出现了一些意料之外的参考，在修复Hubert de Givenchy先生位于8 Avenue Alfred de Vigny的第一家高级定制时装屋时，人们在隐蔽橱柜中居然发现了一叠棕色牛皮纸袋，里面尽是Givenchy先生1952年首秀系列的图纹手稿。
但Burton并没有完全依赖其中的参考，尽管它们之前从未与世人见过面。唯一所能看到的关联在于秀场布置的座位，到处都是堆叠齐整的档案袋。
“我想探讨关于现代女性的一切。力量，弱点，情感，掌控力或是魅力。所有的一切。”Burton希望以这样的理念开启属于自己的Givenchy时代。从第一套带有品牌标识刺绣和创始年份的渔网紧身衣上便可见一斑。
但很快，秀场氛围变得更为庄重严谨，线条利落的夹克与外套，挺括的肩线与沙漏型腰身，这些要素都已经写进了Burton的创意DNA中，“回溯至服装剪裁与制作工艺，是我的本能。专注于裁剪，廓形与比例的塑造。这正是我的切身感受，工作方式，以及我所追求的。”她对此解释道。
而在对Givenchy先生的致敬和传承上，Burton选择了较为克制的方法，比如档案中曾出现的领巾和蝴蝶结元素，在新秀中重新诠释为超大尺寸的皮质领巾；或者是经典欧根纱空气领设计白色衬衫，被转换成了蝴蝶结装饰连衣裙。
除此之外，还想借此系列强调自己的制衣标准，“360度无死角”，更直白地说，Burton把前后倒置式西装外套做得滴水不漏，严谨得近乎于炫技一般。而对于一向青睐Givenchy优雅内核的顾客来说，古典式的花鸟刺绣廓形外套与和服式大衣，也是让她们重新关注Givenchy的理由。
综合看来，Burton在首秀中想要说的无非“现代”和“全面”。她不希望沉湎在品牌高定传统的旧时光中，同时希望Givenchy的创意风格能够触及更多目标群体。那件以气垫和化妆盒拼凑而成的吊带连衣裙，还有那件人造宝石堆砌而成的挂脖上衣就是最好的证明，它们是为年轻人发社交媒体准备的。Burton的周全与敏锐远在我们想象之上，而目前还只是露出了冰山一角。
没想到，克制的性感更让人激动！
Haider Ackermann的再次出山无疑是众望所归，只不过这回他需要站在Tom Ford的肩膀上，为后者描绘出更前瞻的美学蓝图。
没有人不怀念Tom Ford在设计中尽情施展的声色犬马。但不得不承认的是，Ackermann是让这家时装屋重新注入活力的不二人选。他的设计是含蓄中带着锋利的，是理性压倒感性的。这或许就是Ford选择主动联系他的原因，为既有的品牌性感形象搅动起新的波澜。
结果是，Ackermann克制审慎的创造力让当晚高级时装界集体兴奋了起来。他非常清楚自己与Ford的不同，并将其作为一种暧昧不明的魅力，融入时装的创作之中，“他是夜生活的化身，而我是次日清晨的觉醒：这便是我们共舞的起点。在这间灰色笼罩的秀场空间里，宾客们舒适地坐在柔软的长椅上，四周氤氲的镜面仿佛还残留着昨夜的记忆与痕迹。”Ackermann这样解释道。
在这片如同俱乐部的秀场空间中，深邃空寂的氛围传递出魅惑的张力，无论是整齐划一的禁欲制服，还是欲盖弥彰的雕塑感连衣裙，都令人倒吸一口凉气，赞叹Ackermann手术刀式的分寸感，当然，他的表现也受到Ford先生的赞许，谢幕时两人的热情相拥就是最好的体现。如Ackermann所言，“狂欢后的清晨，当一切冗余被抛诸脑后。留下的唯有铭刻于心的情感、难以磨灭的印象。”这正是我们如今回忆起这个系列时所感受到的滋味。
没想到，Julian Klausner这么出色！
在聘任明星设计师和提拔副手的二选一中，Dries Van Noten选择了后者，而且赌对了。Julian Klausner带来了一场非常精彩的首秀。
在去年12月之前，Klausner对大多数人来说还是一个陌生的名字。他出生在安特卫普，成长于布鲁塞尔，和Matthieu Blazy、Anthony Vaccarello和Julien Dossena等这些当下行业内的创意顶梁柱们来自同一所院校。可以说Klausner的经历注定了他的未来指日可待，但一切似乎都比他想象中来的更快，更顺畅。
Dries Van Noten不过是Klausner毕业后的第二份工作，与Van Noten相处共事的时间也不过七年而已，在官宣由他继任的消息之后，行业内外难免会心存疑虑，这样一位从未做过一把手的“新人”，该如何延续Dries Van Noten的辉煌。要知道，即使是时尚评论界最挑剔的目光，也无法抗拒Van Noten那些对印花、色彩和质感上的魔法。
Klausner是聪明的，秀前采访中并没有坦露过多雄心壮志，反而让作品成为了强有力的声明。在这个名为“帷幕之后”的系列中，Klausner既暗示了自己从台后走向台前的过程，又意欲为品牌的衔接过渡赋予某种仪式感，“此刻我想象着那些穿越歌剧殿堂的女子，随手拾取绸缎与织物，以鞋带系结成甲胄，在幕后的创作场域中追寻未知问题的答案。”
这句话描述了开场时的惊艳时刻，而随后的一系列设计几乎让我们产生错觉——Van Noten先生似乎还在掌控全局，但显然不是，仔细观察Klausner的设计便会发现，他在色彩和纹理上的处理更为沉静，墨绿、石油蓝、经典灰、海军蓝构成了全场的主基调，装饰元素上倾向单一元素的复现串联，比如帷幕流苏与柔白穗饰的点缀，或许正应了这句，“创作时我试图与巴黎歌剧院的灵犀相通——想象着古老的墙壁所诉说的故事凝结成晶，感知着这片空间中沉淀的旧日能量。”
无论是对Dries Van Noten还是Julian Klausner来说，这似乎都是一个不错的开始，帷幕拉开，首个篇章已经足够精彩，留给Klausner的时间还很多，他可以继续稳扎稳打，慢慢来。