弦乐的崛起
这一次
但愿我们能明白
什么是古典音乐
弦乐：成为古典器乐的核心
紧跟上文，现代提琴家族正是在这个时期攀升至古典器乐核心地位，并一直傲立至今。小提琴最早出现在16世纪早期的欧洲音乐中，当时被称为臂上提琴，区别于低音维奥尔琴，后来完全独立于维奥尔琴族系之外。两者的不同还在于臂上提琴没有弦品，且举手过肩用弓演奏。这意味着演奏者可以对乐器施加更大压力，使琴弦处于更紧的张力下，从而产生更响亮清晰的音质。从而小提琴逐渐与音色尖利、节奏强烈、旋律激荡的音乐联系在一起。有得必有失，从此小提琴失去了维奥尔琴那种较为柔和、丰富的音调。当聆听普塞尔为维奥尔琴所作的奏鸣曲、幻想曲和圣名曲时，那些华丽的声音和舒缓的旋律会让人瞬间明白现代弦乐四重奏在发展过程中究竟失去了哪些特质。
17世纪末和18世纪初，在意大利小提琴迎来了发展高峰。具体的说，这一时期在克雷莫纳的工艺大师手下一把把传世名琴依次诞生。这些大师包括：安东尼奥·斯特拉迪瓦里（Antonio Stradivan)、尼科洛·阿马蒂（Nicolo Amati)和瓜纳里（Guameri)家族几人，他们工作室出品的小提琴至今仍被认为是世界之最，十足的价值连城。没有人能确定这些传世名琴备受推崇的音色从何而来。影响音色的因素包括制作所用的木材和处理木材的各种刷漆，琴弦材质等等。
首先，一个好提琴声音应该接近人声。其实器乐都是从模仿人声的表现手法发展而来的。但这只是起点，新时期的器乐之所以迷人，还在于其复杂精妙的结构形成了一个超越声乐之上的音乐世界。例如，当一个小提琴家演奏巴赫《D小调小提琴独奏曲》中的恰空舞曲（恰空舞曲是一种起源于墨西哥等西班牙殖民地的舞曲音乐，16世纪时传入西班牙，17世纪时开始在欧洲盛行，多用于歌剧和键盘乐）时，会以简单的旋律开场，而后逐步展现出复杂多变、令人惊叹的音乐结构。
小提琴音乐也是在意大利北部发展起来的，最初是小提琴奏鸣曲，有独奏也有二重奏（其中一个声部是通奏低音）；后来小提琴出现在多乐器或弦乐团的协奏曲形式中。尽管安东尼奥·维瓦尔第（Antonio Vivaldi)以小提琴协奏曲为世人熟知，其实他的协奏曲模型要归功于阿堪杰罗·科雷利（Arcangelo Corelli)、朱塞佩.托雷利（Giuseppe Torelli)和托马索·阿尔比诺尼（Tommaso Albinoni)等前辈的贡献。维瓦尔第写了500多首协奏曲，大部分为小提琴独奏曲，也有许多为其他乐器而作。
独奏奏鸣曲或由两种独奏乐器和通奏低音组成的三重奏，本质上是一种小规模的用于相对私人场合的器乐演奏形式，而协奏曲则逐渐发展成一种与歌剧音乐、大型合唱作品规模相当的形式。在较大音乐团体，比如宫廷乐队中，弦乐演奏者有“大众级”和“大师级”的区分。在演奏宗教协奏曲时，前者承担了器乐里重现声乐旋律的部分；后者负责对比鲜明的独奏部分。例如，在亚历山德罗·斯特拉代拉（Alessandro Stradella)的声乐作品中，器乐演奏者被分为独奏的小合奏组和大合奏组。这种分类反映在纯器乐作品中就是独奏部和协奏部，它们构成了协奏曲的基本模式，并沿用至今。1700年，在科雷利和托雷利的作品中，弦乐协奏曲就已形成了经典的“快一慢一快”三乐章结构，由一个或一对独奏者协同整个乐团交替演奏，独奏结束后，乐团回归重新演奏的部分被称为“利都奈罗”（Ritomello),即副歌。独奏以其高超的技巧在两个副歌（利都奈罗）之间的过渡段实现和弦转调，并展现音乐的动感；紧接其后的副歌要么重复新调，要么返回原始调。在协奏曲中，合奏乐章的关键在于强烈的能量和活力，舒缓的中心乐章则着重突出音质富有表现力的独奏乐器。
从整体上看，巴洛克协奏曲将动人的情感与精巧的器乐完美融合在一起。从对比鲜明的独奏与合奏、不断重复的副歌（利都奈罗），到充满动感的节奏，以及清澈悦耳的和声……一切都是为给听众带来迅疾而强烈的冲击感。巴洛克协奏曲从18世纪早期至今一直长盛不衰，这种听觉上的强烈感觉与旧时别无二致。它的发展轨迹从意大利北部蔓延到德国、英国，并塑造了泰勒曼（Telemann)、巴赫和亨德尔等人的协奏作品风格。巴赫将维瓦尔第的许多小提琴协奏曲改编为管风琴和羽管键琴等键盘音乐，并在此基础上完成了著名的6首《勃兰登堡协奏曲》。
表面上看，巴洛克器乐，尤其是提琴家族音乐，其兴起与早期牧歌、歌剧作曲家在作品中表现的情感追求是一脉相承的，直到很久后，人们才开始讨论器乐的抽象性，将其视为只关乎技术，不涉及情感的音乐。实际上，管弦乐或键盘音乐作曲者往往会借鉴声乐的表达手法，来塑造器乐中不受任何特定观念、歌词的束缚，自由而富有感染力地去表达情感。
此外，器乐的兴起同时也是对人类本质的探索，是坚持人文主义思想的产物，所以器乐后来发展成反映人类生活的现代艺术。从表面上看，音乐在人类世俗娱乐活动中占据越来越重要的地位；在更深层次上，人们逐渐将器乐视为探索和表达个人和集体情感的首要媒介。到19世纪初期时，音乐所蕴含的巨大价值就此体现。
编/茶茶斑竹
1.音乐语言的转变 ：1600年前后数十年间，伴随着席卷欧洲的人文主义思潮，音乐语言发生了根本性转变，将“古代音乐”与“现代音乐”区分开来。音乐文化的核心从对上帝的永恒崇拜转变成对人类自身感受的关注。
2.不协和音 ：这是音乐中表达情感的关键要素，可称为音乐的“调味剂”。很少有音乐能完全避免不协和音，若有的话，听起来也一定平淡乏味。
3.音乐新时代 ：其核心是激情或情感在音乐中的表达。在新音乐中，人类视角围绕感觉建立：所表达的痛苦和挣扎是为了展现人类最激昂和最高尚的情感的另一面。
4.牧歌 ：是一种世俗的而非宗教性的音乐，是为了一个亲密的歌唱团体而非普通听众所创作的，所以本质上是一种服务于表演者的音乐。
5.歌剧 ：最初是在罗马，成为一种流行的大型公共演出的形式，是人文主义者理想中的艺术形式的缩影，其核心在于探索人类情感的本质与界限。
6.新兴宗教音乐 ：巴洛克时期产生了一些表达人类情绪和主观感受的新兴宗教音乐，其风格代表是康塔塔、清唱剧和受难曲。
7.器乐崛起 ：新兴音乐理念开始关注如何满足人类自身的愉悦和需求，而不只是传播宗教福音。因此，歌词也不再是音乐中必不可少的元素。音乐不再受语言约束，器乐地位得到大幅提升。